?

Log in

No account? Create an account

Категория: искусство

Институт цвета Pantone

PANTONE (Пантон) — законодатель мод и главный эксперт в области цвета; поставщик профессиональных стандартов цвета для разных отраслей дизайна; производитель каталогов и измерительных приборов, обеспечивающих точное воспроизведение цвета и взаимопонимание между людьми, профессионально обсуждающими цветовые тонкости.

Основал компанию Pantone Герберт Лоуренс (Herbert Lawrence). Сейчас ее штаб-квартира находится в американском Карлштадте (Нью-Джерси). В октябре 2007 года компания Pantone была приобретена корпорацией X-Rite, сохранив за собой название.

палитра_pantone-1024x622

В 1963 году Герберт Лоуренс создал систему для определения, согласования и смешения цветов. Он начинал работать в типографии и обратил внимание на то, что каждый человек по-своему видит и описывает цветовую палитру. Чтобы решить эту коммуникационную проблему,  Лоуренс выпустил книгу-схему с пронумерованными и снабженными оригинальными названиями цветами. Эта палитра — своеобразный колористический толковый словарь — называлась и по сей день называется Pantone Color Matching System. Такие цветовые азбуки — бумажные, пластиковые, текстильные; воспроизводящие цвета матовыми, глянцевыми или металлик; предназначенные для издателей, дизайнеров мебели и интерьеров, модельеров, — основной товар компании Pantone.

Но потребителю и тому, кто пытается уследить за модными тенденциями, интересно другое направление работы Pantone — исследовательское. В компании существует Институт цвета (Pantone Color Institute). Это он дважды в год, к весне и осени, объявляет 10-ки самых актуальных цветов сезона — отдельно для женской и мужской одежды.

А один раз в год Институт цвета Pantone объявляет Цвет года.

Важное решение принимается после длительных обсуждений: на закрытых встречах в одной из европейских столиц для этого собираются представители «цветовых комитетов» из разных стран.  По словам Литрис Айсмен, исполнительного директора Института цвета Pantone и главы комитета, который выбирает Цвет года Pantone, эти выборы — попытка собрать преобладающие в мире настроения в одном оттенке. Цвет года, по ее мнению, — это организующий принцип и маркетинговый инструмент для дизайнеров интерьера, декораторов, флористов, иллюстраторов, производителей одежды, косметики  - да хоть чайных чашек. Цвет года — это не наставление и не запуск тренда на орбиту.

Это, как уверяет Айсмен, фиксация духа времени, выражение настроений и желаний потребителей. Именно поэтому производители различных товаров, а также те, кто разрабатывает для них упаковку и рекламу, оформляет витрины, с большим вниманием относятся к Цвету года: если в Pantone не ошиблись, то его использование позволит угодить покупателю и заработать побольше. Вот как отвечает Литрис Айсмен на вопрос о том, чем же занимается возглавляемый ею Институт цвета — улавливает тенденции или все-таки вводит цвета в моду: «Я думаю и то, и другое понемногу. Например, оранжевый, который был объявлен цветом года в 2012 году, набирал популярность в течение многих лет, но объявление его цветом года привлекло к нему много внимания со стороны тех, кто в противном случае так бы не считал».

Цвета года Pantone в текущем столетии

Цвета-года-Pantone-2000-2013

Обратите внимание на их образные названия, не всегда поддающиеся дословному переводу:

2000 – Лазурный (Cerulean)

2001 – Фуксия (Fuchsia Rose)

2002 - Истинно красный (True Red)

2003 – Холодный голубой (Aqua Sky)

2004 – Тигровая лилия (Tigerlily)

2005 – Голубая бирюза (Blue Turquoise)

2006 Песочный (Sand Dollar)

2007 - Перец чили (Chili Pepper)

2008 - Голубой ирис (Blue Iris);

2009 - Мимоза (Mimosa)

2010Бирюзовый (Turquoise)

2011 - Жимолость (Honeysuckle)

2012 - Мандариновый (Tangerine Tango)

2013 - Изумрудный (Emerald)


Источник: http://trendy-brandy.com



bf146683

Что же тут еще есть?:

В то время как развитие ювелирного искусства в первой половине XX века удерживалось практически в рамках двух стилей - вначале ар нуво (модерна), а затем ар деко, в так называемом «высоком искусстве» происходили бурные процессы: рождались многочисленные и зачастую весьма противоречивые эстетические воззрения, возникали новые стили и стилевые направления. Это было частью тех быстро сменяющих друг друга событий, которые в то время происходили в науке, технике, да и в целом в обществе.

Развитие искусства в Европе осуществлялось путем острой борьбы идей и ниспровержения старых идеалов. Свойственное этому веку стремление к новизне выдвинуло новые критерии в искусстве, главным из которых стало не сохранение традиций, а новаторство, иногда граничившее с эпатажем, а порою и переходившее в него.

Художники, архитекторы, представители многих других видов творческой деятельности стремились найти тот стиль, те художественные формы и средства выражения, которые были бы адекватны бурно развивавшемуся веку и содержали соответствующую ему эстетику. Зачастую они громогласно декларировали свои художественные идеи, претендуя на истину, не подлежащую пересмотру.

Смена ценностей в искусстве началась уже в первое десятилетие XX века, когда группа французских живописцев, которых позднее назовут фовистами, в одном из залов парижского Салона развернула выставку своих картин, поражавших воображение буйными яркими красками, разделенными условным контуром, и нарочито грубоватыми формами.

Не успел мир искусства осознать происшедшее, как громко заявили о себе кубисты, трансформирующие натуру в различные геометрические фигуры. Одновременно началось мощное движение художников-абстракционистов, предлагавших абстрактные образы вместо конкретно-предметных изображений. Приверженцы одного из главных течений абстракционизма - супрематизма, объявляли, что достижение «абсолютной гармонии» возможно только в результате применения наипростейших геометрических форм -квадрата и круга, представляющих собой, по их мнению, высшую степень обобщения.

Основоположники другого направления - конструктивизма, получившего наибольшее развитие в архитектуре, провозглашали основой художественного образа не композицию, а конструкцию, и считали, что форма произведения должна отражать в первую очередь его назначение, конструкцию и технологию обработки материалов. Эти идеи успешно реализовывали архитекторы и художники немецкой художественно-промышленной школы «Баухауз».

Противоположных художественных принципов придерживались сюрреалисты: давая в своих полотнах ирреальные сочетания элементов действительности, тщательно, почти натуралистически выписывая эти элементы или деформируя их самым парадоксальным образом, они стремились выразить свое представление о неправдоподобности и обманчивости реального мира.

На фоне этой пестрой картины многочисленных и часто противоречивых художественных доктрин, потрясавших Европу, а вскоре и перешагнувших ее границы, возникали фигуры, значение которых, возможно, было неизмеримо больше иных течений, такие как Пикассо, Брак, Кандинский, Малевич, Сальвадор Дали.

В атмосфере предельного нервного напряжения и высочайшего творческого подъема из сложного переплетения художественных идей и стилевых направлений рождалось новое искусство. Его открытия не могли рано или поздно не отразиться на развитии всех видов художественного творчества, в том числе ювелирного искусства, но это случилось уже позже, во второй половине XX столетия.

Годы после окончания Второй мировой войны были временем больших ожиданий и активных преобразований во всех видах творческой деятельности. Свежий воздух новых идей окрылял архитекторов, скульпторов, живописцев, все более раскованно работали дизайнеры, проектирующие мебель, изделия из стекла, костюм, бижутерию, музыкальный мир буквально взрывался бунтующими звуками рок-н-ролла, радикальные социальные преобразования изменяли стиль жизни и моду.

Однако «мир драгоценностей» явно отставал от процессов, происходивших в обществе. Создатели «высокого ювелирного искусства» («Haute Joaillerie») - фирмы «Картье», «Шоме», «Бушерон», «Ван Клиф и Арпельс», «Мобуссен» и другие, - создавая роскошные эксклюзивные украшения для богатой клиентуры, снова и снова воспроизводили в них идеи ар деко 1930-х годов - «стиля звезд».

Огромной части общества такие украшения были недоступны, да и мир изменился, время требовало оригинальных и более смелых идей, соответствующих новому стилю жизни и отражающих новые художественные тенденции. Отставание от общего процесса развития искусства оказалось особенно заметным после ошеломляющего успеха дизайнеров на Всемирной выставке в Лондоне в 1951 году, на которой были представлены новейшие разработки в разных видах и жанрах прикладного искусства.

Первой забила тревогу компания «Де Бирс», крайне заинтересованная в расширении рынка бриллиантовых украшений. Чтобы стимулировать развитие бриллиантового дизайна, компания в 1953 году объявила конкурс на создание украшений. В его «Условиях» (Положении о конкурсе) сформулированы основные критерии оценки изделий, и один из главных - это современность творческого решения, умение автора не только продемонстрировать красоту и великолепие бриллиантов, но и отразить в своих вещах новейшие художественные тенденции. Конкурс, который получил название «Алмазная международная премия» (Diamonds International Awards - DIA), стал самым масштабным и влиятельным творческим состязанием ювелиров, во многом определившим дальнейшее развитие дизайна бриллиантовых украшений.

21















Сальвадор Дали, слева направо
Брошь "Рубиновые губы с жемчужными зубами" (Около 1958, Золото, рубины, жемчуг)
Неразрывность памяти (1949, Золото, бриллианты)

Уже к началу 1960-х годов среди участников конкурса появились художники-ювелиры, которые вопреки сложившимся стереотипам, ломая рамки традиций и представлений консервативно настроенной публики, привнесли в бриллиантовый дизайн свежие художественные идеи, рожденные эстетическими концепциями нового времени. Своеобразным катализатором этого процесса стали проводимые в 1950-1960-е годы в США и Западной Европе выставки драгоценностей, выполненных по проектам выдающихся художников XX столетия. На них экспонировались выразительные композиции одного из самых ярких основоположников кубизма, французского живописца Жоржа Брака, сюрреалистические украшения великого испанца Сальвадора Дали,  абстрактные  мобили  из жгутов  проволоки  американского скульптора Александра Колдера. Ювелирные эксперименты этих и других мастеров «высокого искусства», получившие название «стиль маэстро», отличались безудержным полетом творческой фантазии и побуждали к новаторству и художников-ювелиров.

12















Жорж Брак, слева направо
Брошь (1940-е)
Кольцо (1960-е, Золото)


Сюрреализм – это сверхреализм, для которго характерно изображение объектов в реалистической манере с некоторыми изменениями. Лидером сюрреализма в искусстве был Сальвадор Дали, который изготовил и ряд авторских украшений в присущей ему манере. Сюрреализм возник во Франции в 1920-е годы.  Говоря словами его главного  теоретика, писателя Андре Бретона, его целью было <разрешить существовавшие доныне противоречия между мечтой и реальностью>

В 1960-х годах в творческой деятельности ювелиров происходили процессы, радикально изменившие пути развития искусства создания украшений. Так, в это время окончательно сформировалось появившееся еще в конце 1950-х годов новое направление ювелирного творчества, новаторское по своей сути и не ориентированное жестко на покупателя, которое определяется в искусствоведческой литературе как «новое ювелирное искусство» или «актуальное искусство». Это направление объединило художников-ювелиров, как правило авторов авангардных вещей, отказавшихся от узкого традиционного понимания назначения ювелирного украшения. Они создавали «самодостаточные» произведения искусства, способные достойно соседствовать с творениями «высокого искусства» на художественных выставках и в музейных собраниях. Основной целью данного направления стало творческое самовыражение художника, создающего уникальное ювелирное произведение. При этом он может обращаться к самым разным, часто нетрадиционным для ювелирного искусства материалам, использовать новые приемы их обработки, искать свежие, порой парадоксальные конструктивные решения для наиболее полного раскрытия своего творческого замысла.

В этом отчасти можно усмотреть линию, начатую еще Лаликом и другими художниками модерна, которые также видели в ювелирных изделиях прежде всего произведения искусства.
1
Александр Колдер, Серьги "Мобили" (Около 1946, Серебро)

Но ювелиры этого времени пошли дальше. Никогда раньше создатели ювелирных изделий не были столь свободны и дерзки в выборе материалов, выразительных средств, пластических и композиционных решений. Они разрабатывали оригинальные варианты закрепки и подачи камней, искали новые способы работы с золотом: то нагревали металл и придавали его фактуре неожиданные декоративные качества, используя как бы эффект случайности, то превращали золото в тончайшие листы и работали с ними как с бумагой.

В результате их творческих экспериментов было пересмотрено отношение к роли металла в драгоценных украшениях, который до этого рассматривался в традициях ар деко, то есть только как основа для крепления камней. Теперь золото, платина, серебро стали равноправными партнерами бриллиантов и других драгоценных камней, важным компонентом создания художественного образа, что повлекло за собой изменения в формообразовании предметов и способствовало разработке разнообразных видов декоративной обработки металла. Особенно важно, что благодаря совершенствованию технологий изготовления изделий, в частности освоению центробежного литья по выплавляемым моделям, эти новшества оказались осуществимы и в производственных условиях, что преобразило серийную ювелирную продукцию, рассчитанную на широкий круг покупателей.

Художники направления «актуальное искусство» способствовали также появлению других новшеств в ювелирном творчестве. Так, под влиянием движения нонконформизма, получившего распространение в 1960-1970-е годы, некоторые из мастеров отказались от применения драгоценных металлов и камней и обратились к материалам, использование которых раньше было немыслимо в ювелирном деле - акрилу, стали, дереву, резине, шелку, - и придавали им особые декоративные качества. Несомненно, они не могли найти широкого применения, но тем не менее авторы подобных изделий совершили определенный переворот во взглядах на ювелирное изделие и создали эстетику новых материалов.

Под влиянием новых идей расширился и ассортимент изделий. Появились украшения для одного уха, обрамляющие ушную раковину, что было очень актуально в связи с модой 1960-х годов на высокие прически из длинных волос. Знаменательно и увлечение трансформирующимися украшениями, которое возникло, возможно, не без влияния популярных тогда идей функционализма, рожденных более сорока лет назад в «Баухаузе».

Нередко произведения «актуального искусства» удивляли, порою даже эпатировали, но именно благодаря авторам подобных вещей, воспринимавшихся многими как своего рода арт-объекты, неизмеримо расширился и обогатился мир ювелирного творчества и его художественное развитие получило невиданное дотоле ускорение.

С этого времени диапазон стилевых направлений в ювелирном искусстве необычайно расширился. Большую часть мастеров по-прежнему продолжали привлекать традиционные классические стили - ар деко или стили историзма, особенно необарокко, в котором, возможно, черпал вдохновение и выдающийся художник, швейцарец Жиль-бер Альбер. Тем не менее в творчестве ювелиров получили воплощение и другие стили «высокого искусства» XX века, в том числе художественные идеи, заложенные художниками-модернистами еще в начале столетия.

Зачастую украшения, созданные под их влиянием, были для ювелирного искусства явными инновациями, как, например, работы классика скандинавского ювелирного дизайна Сигурда Перссона или одного из основоположников движения «актуальное искусство», немецкого ювелира Фридриха Беккера, выполненные в 1950-1960-е годы на основе принципов конструктивизма.

Работая с драгоценными материалами, ювелиры-художники разрабатывали необычайно эффектные украшения в абстрактном ключе, поэтизировали в драгоценностях эстетику индустриальных форм, реализовывали свои представления о красоте, руководствуясь принципами кубизма, создавали изделия с подвижными элементами в традициях кинематического искусства, выполняли бриллиантовые украшения с использованием выразительных средств оп-арта (оптического искусства).

Интересную интерпретацию получили в бриллиантовом дизайне идеи гиперреализма, стиля, распространенного, прежде всего, в живописи. Ювелиры увлеченно воспроизводили вполне реальные, порою бытовые предметы в их почти натуральном виде, как в знаменитой подвеске с бриллиантом в пять карат «Разводной ключ» французского ювелира Жиля Жонеманна или в золотой броши с бриллиантовой осыпью, решенной в виде кочана цветной капусты, бельгийской художницы Каролины Витвут. В таких вещах есть удивительное ощущение игры, выражающей сущность всякого ювелирного изделия, своего рода предмета развлечения, драгоценной безделушки.

1

Гиперреализм (англ. hyperrealism) — направление в живописи и скульптуре, возникшее в США и ставшее событием в мировом изобразительном искусстве 70-х годов XX в. Другое название   гиперреализма   —   фотореализм. Целью гиперреалистов было изобразить мир не просто достоверно, а сверхпохоже, сверхреально.

В 1980-е годы некоторые ювелиры использовали художественные идеи сюрреализма. Особенно оригинально и выразительно колье «Венера» выдающегося немецкого ювелира Клауса Боненбергера, неоднократного победителя конкурсов, проводимых компанией «Де Бирс». Длинная подвеска, выполненная в сюрреалистической манере с использованием золота, бриллиантов и ляпис-лазури, представляет собой подобие лица богини красоты.

В 1990-е годы в красочных работах ряда ювелиров (например, канадца Петера Чанга), получили новую жизнь цветные феерии фовистов и в то же время в их украшениях отразились представления о динамичном темпе жизни основоположников другого направления искусства начала века - футуризма.

12
3

Знаменательно, что в последнее десятилетие XX века ювелиры все чаще стали придавать своим произведениям некий философский смысл, обращаясь к идеям вербально насыщенного концептуального искусства, выражающего глубинную сущность явлений. Одним из первых и наиболее выдающихся мастеров этого направления был замечательный итальянский скульптор, ювелир и психолог Бруно Мартинацци. Начиная со своих первых ювелирных работ 1960-х годов, он, отталкиваясь от концепций поп-арта и от классической мифологии, сумел передать ощущение гармонии и одновременно напряжения современного мира (золотые броши и браслеты «Золотые пальцы», «Губы», «Хаос» и другие).

Поп-а́рт (англ. pop-art, сокращение от popular art) — направление в изобразительном искусстве 19501960-х годов, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующее образы продуктов потребления. Этот термин  широко  используется с 1960 для обозначения  стиля,  тесно связанного  с  массовой культурой и масс медиа. Он восходит к выражению <popular  culture> (<народная культура>).  Поп-арт  отражает новую образность, создаваемую средствами массовой информации и рекламой. Расцвет стиля Поп - Арт - конец 50–х средина 70-х годов ХХ века.

12
3
4

Развитие новейших технологий во второй половине XX столетия определило формирование дизайна «хай-тек» (от английского high technology - высокая технология). Он в той или иной форме оказывал влияние на творчество ювелиров, мыслящих современными категориями века «боингов» и «феррари». Возможно, не без влияния этого дизайна в ювелирном искусстве последних двух десятилетий XX века ощущалось увлечение украшениями минималистских форм, для выполнения которых использовались новейшие способы выражения, приемы и материалы.

Хай-тек (high tech — сокращенное от англ. high technology — высокая технология) — одно из направлений новейшей западной архитектуры. стремится к эстетическому освоению различных технологических и конструктивных элементов. В произведениях представителей хай-тека демонстрируются высокие качества пластиков, легких сплавов, новых композитных материалбв, цветных блестящих и прозрачных поверхностей, полировки металлов и др. В стиле «Хай – Тек» на первое место выходит форма. Материал, из которого создается изделие, вторичен. Часто вместе с драгоценными камнями в стиле «Хай – Тек» используется пластик, оргстекло, сталь, каучук, шелк и другие современные материалы. Изделие перестает выражать сущность владельца.

21
















Аарон Баш (фирма)Слева направо
Детские браслеты (2004, Золото, бриллианты, эмаль)
Детские браслеты (2004, Золото, бриллианты, эмаль)


Конечно, не многие ювелиры отваживались на новаторские эксперименты. Учитывая стоимость используемых в ювелирном деле материалов, оно уже по своей природе оказывается в числе наиболее консервативных видов художественного творчества. Но даже работая в рамках существовавших раньше стилей, ювелиры-художники всегда умели найти те формы и выразительные средства, благодаря которым их произведения соответствовали костюму и стилю жизни определенного времени. Многоцветная картина стилей и стилевых направлений XX века показывает, что традиции и новаторство в ювелирном искусстве могут развиваться параллельно, не входя в противоречие друг с другом.

Одним из интересных стилей, возникших в 20 веке, является стимпанк, который в последнее время стал очень популярной тенденцией в мировой моде и дизайне. Появившийся не так давно он уже плотно вошёл в нашу культуру. Сегодня стимпанк добрался даже до ювелирного дела. Стимпанк (или паропанк) — направление научной фантастики, моделирующее цивилизацию, в совершенстве освоившую механику и технологии паровых машин. Как правило, стимпанк подразумевает альтернативный вариант развития человечества с выраженной общей стилизацией под эпоху викторианской Англии (вторая половина XIX века) и эпоху раннего капитализма с характерным городским пейзажем и контрастным социальным расслоением.
В настоящее время в общественной среде и массовой культуре наблюдаются явления, позволяющие говорить о стимпанке, как о формирующейся субкультуре Хотя многие работы, которые теперь признаются стимпанком были опубликованы в 1960-х и 1970-х годах, сам термин стимпанк возник только в конце 1980-х, как ироничный вариант слова «киберпанк».

Стимпанк в ювелирном искусстве нашел свою нишу. Ювелирные украшения, кольца, браслеты и цепочки экстравагантной формы, собранные из большого количества отдельных деталей, поражают своим видом даже искушённого человека. Перстень с искусственным зрачком, кольца со встроенными механизмами, подвески из механических деталей необычной формы манят своими загадочными переплетениями. Такие фантазийные украшения создает Daniel Proulx проживающий в Монреале.

1
2















Не менее интересными выглядят украшения от LondonParticulars из Сиэтла.

12
3
4
5
6






































Художники-ювелиры, встав в один ряд с живописцами, скульпторами и графиками, наконец, завоевали право на самостоятельный выбор направления и свободу творчества, и это, пожалуй, то главное, чего они достигли в XX веке и что, наряду с несомненными художественными и техническими достижениями, передали в наследство новому столетию.

Материал взят:
http://www.bibliotekar.ru/yuvelir/8.htm
http://fashion.artyx.ru/books/item/f00/s00/z0000000/index.shtml
http://salon-lada.tomsk.ru/?page=articles&ind=263&p=1
http://mc2websites.com/iskusstvo/34571-yuvelirnye-izdeliya-v-stile-stimpank-ot-london-particulars.html
http://www.silver-mania.ru/articles/originalnoe-priznanie-v-lyubvi-pereroslo-v-semejnyj-biznes/

http://lenaborodulina.livejournal.com/9557.html


Стили ювелирных украшений. Содержание.

bf146683

Ар деко

Уже в первое десятилетие XX века ювелиры постепенно начинают отказываться от изощренных форм и извилистых линий модерна. Под влиянием бурных процессов, происходивших в это время в литературе, живописи, архитектуре, ювелиры также обратились к поиску новых средств выражения, что нашло отражение в геометрических линиях позднего модерна. Однако эти поиски были прерваны Первой мировой войной, которая не только унесла множество жизней и оставила несметные разрушения, но и привела к разочарованию в ценностях прошлого и породила неудержимое желание обрести новые идеалы.

Ювелиры, всегда чутко прислушивавшиеся к настроениям в обществе, быстро осознали, что их искусство может принести людям радость, помочь им забыть об ужасах войны. Но для достижения этого необходимо было предложить принципиально новые изделия. Вдохновленные художественными идеями искусства начала XX века, которые воплотились в живописи кубистов и абстракционистов, русских супрематистов и итальянских футуристов, наконец, в ярких красках костюмов и декораций балетных спектаклей «Русских сезонов» Сергея Дягилева, ювелиры, как и их собратья по искусству - архитекторы и художники-декораторы, работавшие над оформлением интерьеров, - окончательно отказались от причудливо изгибающихся линий и блеклого колорита модерна. В поисках новых средств выражения они обратились к ясным геометрическим формам, с четким построением симметричных композиций, главенствующую роль в которых играли прекрасно ограненные драгоценные камни.

Стиль созданных ими произведений позднее назовут ар деко. Он сочетал в себе простоту и роскошь, четкость геометрических конструкций и яркую игру сверкающих камней. Этот стиль, сформировавшийся к началу 1920-х годов во Франции, вскоре покорил США, а затем и большинство стран Европы, подчинив своим художественным принципам практически все виды прикладного искусства, включая костюм.

Новая мода полностью подпала под власть чистой геометрии, и женский костюм, напоминавший кроем рубашку, стал определяться строгой конструктивностью. Среди творцов моды появились новые имена. В 1920 году в Париже открыла модный салон художница-авангардистка Соня Делоне, украшавшая свои модели яркими геометрическими узорами. В 1930-е годы на небосклоне моды засверкала новая звезда - Коко Шанель, которая уделяла большое внимание ювелирным аксессуарам, а вскоре и сама начала проектировать драгоценности. Новое время породило и новый идеал женщины. Она стала самостоятельной и независимой, равноправным партнером мужчины. Смелые парижанки, признанные законодательницы моды, вскоре после войны в первую очередь остригли волосы, затем укоротили юбки и надели платья без рукавов. Возникло оригинальное направление моды, ориентированное на полудевичьи, полумальчишеские фигуры - так называемая мода «гарсон». Правда, в 1930-е годы линия платья несколько смягчилась, мода-люкс стала более женственной, а представления о красоте воплотились в образах голливудских кинозвезд. Но в оба эти десятилетия женский костюм открывал широкие возможности для фантазии ювелиров.
12




















Слева направо
Шанель (фирма), Клипсы и кольцо, Около 1935, Изумруды, рубины, золото
Тиффани и Ко (фирма), Брошь в виде цветов, Бриллианты, сапфиры


К числу наиболее живописных украшений, несомненно, принадлежала «брошь-кисть», оформлявшая открытый ворот вечернего платья; в дневных, более скромных, туалетах ее заменяла необычайно длинная нить искусственного жемчуга или бусы из камней. В моду вошли длинные серьги, эффектно украшавшие стриженые головки, тяжелые пояса и браслеты, которые зачастую надевали не только на запястье, но и предплечье. Появился новый вид украшения - состоявшая из двух частей брошь с клипсовым замком; ею закалывали модные труакары. Исключительную популярность приобрели в этот период наручные часы, при их создании ювелиры проявляли удивительную фантазию. Часы отличались разнообразием форм, богатством декора и изяществом. Корпус и браслеты украшались драгоценными камнями.

Пионерами нового направления в ювелирном искусстве оказались французские мастера. В их числе был и один из самых известных ювелиров Парижа -Жорж Фуке, которого в эпоху модерна называли «вторым после Лалика». В одной из его наиболее совершенных работ начала 1920-х годов, в круглом кулоне с симметричными подвесками, уже видны все черты нового стиля -ясная геометрия формы и орнаментального строя декора, смелое смешение дорогих материалов: бриллиантов, изумрудов, ляпис-лазури и горного хрусталя.

312























Фуке, Жорж
Слева направо

Эскиз кулона с изображением китайской маски
Корсажная брошь "Китайская маска"(Около 1920 – 1925, Эмаль, оникс, жадеит, бриллианты)
Кулон (1923 – 24, Хрусталь, нефрит, лазурит, бриллианты, калиброванные изумруды, платина)



Еще более новаторскими были эксперименты его сына Жана Фуке: он создал серию украшений, совсем не похожих на все то, что делалось раньше. В собраниях Парижа и Нью-Йорка хранятся его брошь из слоновой кости и браслет, составленный из круглых желтых золотых звеньев, которые украшены пирамидами из черного оникса и кружками из белого золота. Эти необычные драгоценности явно созданы под влиянием авангардных поисков живописцев начала века, и прежде всего кубистов. Не менее интересны серьги из платины другого парижского ювелира - Раймона Тамплие; в их построении явно ощущаются идеи конструктивизма. Тамплие декорировал строгие геометрические элементы своих «драгоценных конструкций» яркой эмалью или японским лаком, достигая необычайно эффектных цветовых контрастов. Однако эти выразительные и оригинальные работы обоих ювелиров в большей степени производили впечатление «самодостаточных» произведений искусства, чем украшений, гармонично связанных с телом человека и его костюмом. Пожалуй, в таком подходе к художественному решению драгоценностей Жан Фуке и Раймон Тамплие почти на сто лет опередили свое время.

12




















Фуке, Жан
Слева направо
Браслет (Белое и желтое золото, оникс)
Брошь(1925 – 1929, Желтое и белое золото, хрусталь, оникс, лак, бриллианты)

12















Фуке, Жан
Слева направо
Колье (1925 – 1930, Золото, платина, серебро, черный лак, аквамарин)
Браслет на запястье (Около 1930, Горный хрусталь, аметисты, лунный камень, платина)


В 1920-х годах, на первоначальном этапе создания стиля, который порою называют «джаз-модерн», ювелиры зачастую использовали такие материалы, как эмаль, хром, стекло и пластмасса, и отдавали предпочтение ярким краскам. Но очень скоро они осознали, что послевоенному «потерянному поколению» необходима иллюзия благополучия, которую давали только золото, платина и самые красивые природные камни. Многие люди уже на собственном горьком опыте убедились в том, каким спасительным финансовым источником в грудные времена могут стать драгоценности - к тому же они долгое время были лишены их.

12




















Темплие, Раймонд
Слева направо
Подвеска (1925, Платина, черная эмаль, горный хрусталь)
Брошь (Платина, бриллианты)


Это очень хорошо понимали ювелиры Дома Картье, всегда являвшиеся приверженцами использования в украшениях самых роскошных камней. Еще перед Первой мировой войной Луи Картье, возможно, первым среди ювелиров почувствовал новые веяния в искусстве и начал стилизовать любимые им мотивы разнообразных гирлянд, придавая им геометризированный характер. Его произведения 1920-1930-х годов наглядно демонстрируют основные этапы развития нового стиля.

На первом этапе Картье отдавал предпочтение гармоничным композициям и простым ясным формам. Первоначально это были круг или сегмент, поскольку он считал, что именно эти геометрические фигуры больше всего подходят для украшений, предназначенных женщине. Позднее он обратился и к другим геометрическим формам: квадрату, прямоугольнику, реже ромбу. Украшения с простым и четким силуэтом, выполненные из оникса, горного хрусталя, нефрита, кораллов или перламутра, он декорировал бриллиантами и другими драгоценными камнями, тонко подбирая их изысканную цветовую гамму.

12




















Слева направо
Картье (фирма) Подвеска (1920 - 1930-е, Оникс, бриллианты, мелкий жемчуг, кисти)
Картье, Луи, Короткое ожерелье с подвесками в виде бантов и "любовных" узелков. Фрагмент (1930-е годы, Бриллианты)


Но довольно скоро ювелиры Дома Картье отказались от ярких цветов и стали инициаторами появления так называемого стиля «белый ар деко». Строгие геометрические формы их украшений оживляли контрастные сочетания белой платины и бриллиантов с черным ониксом или черной эмалью. На основе этой выразительной оптической игры черных и белых пятен был создан своеобразный мотив, получивший название «шкура пантеры». Этот мотив нашел применение при создании оригинальных брошей в виде пантер или украшений для прически, его использовали и при оформлении наручных часов. Период «белого ар деко», пожалуй, оказался не только наиболее плодотворным в деятельности фирмы, но и наиболее важным для становления нового стиля в целом.

Однако Луи Картье даже в «белый период» не отказывался от цвета, выполняя из изумрудов, рубинов и сапфиров броши, воспроизводящие «вазы с фруктами» или «корзины с цветами». Кстати, мотив корзины с цветами был весьма характерен для декора стиля ар деко. К нему обращались не только ювелиры, но и декораторы - оформители интерьеров, и мастера других видов прикладного искусства. Так, модными композициями в виде стилизованных цветочных корзин любил украшать свою мебель самый именитый французский краснодеревец той поры Эмиль-Жак Рульманн.


12















Слева направо
Картье (фирма), Браслет "Фруктовый салат" (1928, Платина, бриллианты, рубины, изумруды ,эмаль)
Картье, Луи, Пара брошей (1920-е годы, Бриллианты, сапфиры)

Многоцветные драгоценности стали особенно популярными после возникновения моды на индийские украшения. К тому же рынок камней был насыщен рубинами, сапфирами, изумрудами, ограненными в форме листьев, цветов, ягод или шаров. Тогда же появились знаменитые украшения Картье в изобретенной им стилистике «тутти фрутти», они представляли собой яркие многоцветные композиции из резных драгоценных камней. После открытия в 1922 году гробницы Тутанхамона и последовавшего за этим событием всплеска интереса к Египту фирма начала производить красочные украшения, выполненные в «египетском стиле». Среди них - эффектные подвески из пластин нефрита, декорированные алмазами и рубинами, и знаменитая брошь-скарабей из дымчатого кварца с крыльями из голубого фаянса, украшенными бриллиантами. Особенно часто ювелиры стали создавать яркие декоративные изделия после кризиса 1929 года: так они пытались, привлекая внимание покупателей, выстоять в это трудное время.

21















Картье, Луи, Слева направо Ожерелье из гарнитура. Фрагмент (1930 год,Бриллианты, сапфиры)
Брошь в виде цветка (1920-е годы, Платина, желтый бриллиант, бриллианты)


Таким образом, история Дома Картье наглядно иллюстрирует процесс становления стиля ар деко. Окончательно он сформировался к началу 1920-х годов, а своего апогея достиг к середине десятилетия. Временем его триумфа стала Выставка декоративных искусств и современной промышленности, проходившая в 1925 году в Париже. Собственно, именно на этой выставке стиль получил окончательное признание, а позднее ее сокращенное название - «Ар деко» - стало названием стиля.

Экспозиция ювелиров размещалась в роскошном здании Гран Пале. Картье выставлялся в другом павильоне выставки («Элеганс»), объединившись с прославленными модельерами той поры - Бортом, Ланвен и другими, вероятно, с тем чтобы еще раз подчеркнуть неразрывную связь украшений и костюма. Представленные на выставке произведения Фуке, Сандоза, Тамплие, Бушерона, Картье, Ван Клифа, Мобуссена и других французских ювелиров явились завершением поисков предыдущего периода и символизировали рождение эстетики новой эпохи.

Успех ювелиров, работавших в стиле ар деко, был феноменальным. Формальным признанием нового стиля можно считать то, что высшую награду выставки - Золотую медаль - получил за украшения в стиле ар деко парижский ювелир Жорж Мобуссен. К тому времени его изделия уже были хорошо знакомы любителям драгоценностей. Созданные Мобуссеном колье, в которых закрепленные в платиновую оправу бриллианты чередовались с прекрасными жемчужинами и оформляли центральную часть - жадеитовое кольцо, - отличались удивительной красотой и элегантностью и были предметом вожделения многих светских красавиц и звезд Голливуда. Его подвески в виде стилизованных цветочных ваз и фонтанов, декорированные резными изумрудами, бриллиантами и эмалью, становились объектом для подражания и копирования. Все эти украшения выполнены в стиле ар деко, и именно этот стиль сделал фирму «Мобуссен» знаменитой.

Но развитие стиля не стояло на месте. Он родился в век науки и техники и в значительной мере испытал влияние его достижений. Один из ювелиров, участников выставки, писал, что «полированная сталь, тусклый никель, тень и свет, механика и геометрия -все это предметы нашего времени. Мы видим их и живем с ними каждый день. Мы люди своей эпохи, и это основа всех наших настоящих и будущих творений...» Не удивительно, что ради достижения художественной выразительности ювелиры прилагали немало усилий в поисках новых материалов и разрабатывали новые технологические приемы.

Наибольшего успеха добилась фирма «Ван Клиф и Арпельс». В 1935 году Альфреду Ван Клифу и Жюльену Арпельсу удалось изобрести новый вид закрепки драгоценных камней - невидимую закрепку (от английского invisible set). Этот способ крепления предусматривает прецизионное гранение подобранных по цвету твердых драгоценных камней -бриллиантов, сапфиров или рубинов, в которых вытачиваются канавки, позволяющие вставлять камни вплотную друг к другу и таким образом полностью покрывать ими металл, скрывая золотую основу. Этот технологический прием позволил мастерам фирмы «Ван Клиф и Арпельс» - а впоследствии и других фирм - создать серию превосходных украшений в стиле ар деко. Возможно, благодаря именно таким украшениям, впрочем, как и произведениям Картье, Бушерона, Мобуссена и других ювелиров, стиль ар деко стал всемирно признанным синонимом роскоши и своеобразной эффектности.

12
















Ван Клиф и Арпел (фирма)
Слева направо
Гибкий браслет "Египетский" (1924, Платина, бриллианты, изумруды, рубины, сапфиры, оникс граненый и гравированный, оправа "pave" и в "рельсовый" каст)
Гибкий браслет с египетскими мотивами. Фрагмент (Около 1924, Бриллианты, сапфиры, рубины, мелкие изумруды, платина)

12
















Ван Клиф и Арпел (фирма)
Слева направо Брошь "Пион" (1937, Платина, желтое золото, бриллианты "багет", рубины "карре" и овал, закрепка в "рельсовый" каст и "pave")
Колье (1938, Платина, бриллианты "багет", изумруды "кабошон", закрепка "рельсовая" и в гнезда)


Уже в 1930-е годы стиль ар деко стал определять художественное решение не только уникальных украшений, выполнявшихся с использованием камней высокой стоимости - в этом стилевом ключе во многих странах Европы и Америки создавали и менее дорогие вещи, предназначенные для довольно широкого круга покупателей. На рынке драгоценностей были востребованы бриллиантовые броши-клипе и сотуары, а особенно - элегантные браслеты, в которых некрупные бриллианты подчеркивали четкие линии плоских орнаментальных узоров. Подобные украшения изготавливали в большом количестве многие ювелирные фирмы, не случайно и в наши дни их можно увидеть в любом крупном антикварном магазине или встретить в каталоге аукциона.
Принято считать, что стиль ар деко господствовал в мире искусства немногим более двух десятилетий, от конца Первой мировой войны и до начала Второй. Однако образный строй и приемы, разработанные мастерами ар деко, оказались настолько жизнеспособны и универсальны, что его влияние ощущали ювелиры всех последующих поколений. И в этом кроется удивительный феномен ар деко.

Материал взят:

http://www.bibliotekar.ru/yuvelir/8.htm

http://fashion.artyx.ru/books/item/f00/s00/z0000000/st028.shtml

http://www.jevel.ru/article/stili_uvelirnih_ukrasheniy.html

http://fammeo.ru/articles.php?article_id=1113


Стили ювелирных украшений. Содержание.


bf146683

Читала про модерн как сказку...
Модерн

Новый стиль окончательно оформился к началу 90-х годов XIX века. Его появление было встречено с необычайным энтузиазмом. Архитекторы, художники, графики и мастера прикладного искусства сразу увидели его креативные возможности и устремленность в будущее. Собственно, отрицание надоевших всем неостилей и ориентация на новое оригинальное искусство декларировались уже в самом названии стиля. По-французски оно звучит как «ар нуво» (Art Nouveau - новое искусство); не менее многозначительны названия нового стиля в Германии - «югендстиль» (от немецкого Jugend - молодость) и в России - «модерн» (в переводе с французского moderne - новейший, современный).

Однако претензии основоположников модерна на абсолютную новизну и полное забвение искусства прошлого несколько преувеличены. Новый стиль возник не в одночасье и не на пустом месте. Он складывался из множества тенденций и направлений, среди которых не последнее место занимало и обращение к историческим стилям. На начальном этапе формирования модерна особенно ощутимо влияние готики. И это не случайно, атмосфера духовной жизни второй половины XIX века была насыщена чарующей мистикой Средневековья. Она звучала в операх Рихарда Вагнера, вдохновляла поэтов-символистов, царила в декадентских кругах того времени.

Творчество художников модерна не избежало и влияния искусства других эпох крито-микенской культуры, своеобразной пластики этрусков, красоты форм и орнаментики кельтских вещей, итальянского маньеризма конца XVI века. Однако в эпоху модерна обращение к искусству прошлого носило принципиально иной характер, чем в предшествовавший период. Оно заключалось не в заимствовании элементов каких-то определенных стилей и воспроизведении исторических образцов, а в синтезе разных культур, обобщении художественного опыта предыдущих поколений.

123



















Слева направо Тиффани и Ко
Ожерелье (1896, Стекло, люстр, ирризация, позолоченная оправа)
Колье "Виноградная лоза" (1904, Опалы, золото, эмаль)
Колье "Водоросли" (Около 1915 – 1925, Сапфиры, бриллианты, лунный камень, платина, золото)


Заметное влияние на стиль модерн оказало также знакомство Европы со Страной восходящего солнца, которая долгое время была закрыта для европейцев. Утонченное мировосприятие японцев, культ природы, изысканная декоративность костюма и окружающих их вещей, завораживали художников и не могли не овладеть их воображением. Привлекало и умение японцев видеть и ценить красоту, казалось бы, самых простых материалов. Созвучными представлениям того времени о красоте оказались и излюбленные мотивы японского искусства - изображения хризантем и орхидей, волн и скал, обитателей морских глубин и снежных вершин. Интерпретация всех этих мотивов органично вошла в образную систему модерна.

Новый стиль заявил о себе вначале во Франции и в Германии, а затем почти одновременно - в Бельгии, Англии, Австрии, Скандинавских странах и в России. Он охватил многие сферы художественной деятельности, но наиболее ярко проявил себя в архитектуре и прикладных искусствах. Даже костюм, да и весь образ женщины, подчиняясь диктату стиля, приобрели наиболее характерные его черты.

56

























Слева направо Фаберже (фирма)
Кулон (Начало 20 века, Серебросодержащий сплав, бриллианты, алмазы огранки "роза", изумруды)
Кулон (Начало 20 века, Золото, платина, бриллианты, алмазы огранки "роза", сапфиры)

21















Слева направо Фаберже (фирма)
Подвеска (Конец 19 века, Платина, горный хрусталь, бриллианты "розы")
Подвеска (Конец 19 века, Золото, бриллианты, изумруды)

43




















Слева направо Фаберже (фирма)
Брошь-кулон с цепочкой (Между 1899 – 1908, Золото, серебро, бриллианты, алмазы огранки "роза"; эмаль по гильошировке)
Подвеска (1899 – 1908, Золото, брилланты; эмаль)

К 1890-м годам мода перестала быть привилегией высших классов. Благодаря модным журналам широкая публика имела возможность познакомиться с самыми последними ее тенденциями, рождавшимися в мире богемы и в модельных домах Парижа, которые, как и поэты того времени, создавали культ «инфернальной» женщины, капризной и томной, чувственной и экзотической. В соответствии со вкусами той эпохи силуэт женщины приобрел змеевидные контуры и стал напоминать латинскую букву S. Наиболее активно стиль модерн вторгался в оформление вечерних нарядов, необычайно эффектных из-за асимметрии и манерно изогнутых линий.

Новый костюм требовал соответствующих аксессуаров, и прежде всего украшений нового типа. Появились оригинальные виды колье - ожерелья с жемчужной или бриллиантовой «бахромой», хорошо сочетавшиеся с мысообразными декольте; широкие ошейники, обильно украшенные камнями; тонкие обручи с камнем на длинном стержне, спускавшемся на грудь; поразительной красоты гребни, декорированные золотом и камнями. Но и традиционные виды украшений приобрели новые оригинальные черты.

В эпоху модерна на первый план в ювелирном деле вышел не мастер-ремесленник, изготавливавший похожие друг на друга «коммерческие драгоценности», а ювелир, создававший индивидуальные и по-настоящему художественные украшения, которые обладали новой образностью, отражавшей дух времени. Благодаря таланту авторов таких украшений ювелирное искусство, наряду с архитектурой и художественным стеклом, вышло на авансцену развития искусства, во многом определив декоративные особенности нового стиля.

На первоначальном этапе в образном строе ювелирных украшений, так же как и в искусстве модерна в целом, яркое развитие получило флоральное направление (от французского слова floral - цветочный), которое в наибольшей степени отвечало художественным устремлениям того времени. В основе его лежала трансформация мотивов, рожденных природой, причем если для эпохи историзма было характерно натуралистическое изображение цветов и насекомых, то мастера стиля модерн трактовали их как своеобразные знаки, несущие в себе нервную символику рубежа веков.

В орнаментальном декоре флорального направления модерна нашел отражение волшебный и поэтичный мир растений и животных: изумрудные ящерицы и змеи, пестрокрылые стрекозы и бабочки, величавые подсолнухи и камыши, роскошные орхидеи, элегантные ирисы, нежные ландыши, эффектные цикламены и особенно много любимых поэтами «серебряного века» лилий.

Своего рода отличительным знаком орнаментального декора модерна стал мотив изгибающегося в воздухе бича, который получил название «удар бича». Среди излюбленных мотивов художников-ювелиров были также морская волна, лебединая шея, томные женские головки или фигуры с распущенными волосами и извивающимися руками в «летящих» рукавах.

В ювелирных украшениях своеобразная изощренность флорального направления модерна проявлялась также в плавной текучести асимметричных форм с изысканными очертаниями, в прихотливой изощренности композиционных построении и в почти мистическом колорите вещей, который возникал от сочетания мерцающих как старинные витражи, эмалей и зеленых, лиловых, голубых, белых, красных камней. В украшениях много жемчуга, опалов, рубинов, демантоидов, аметистов, алмазов, хризопразов, перламутра, при этом выбор камней определялся не их стоимостью, а декоративными качествами и цветом.

Работы ювелиров модерна были столь прекрасны, что, возможно, впервые публика увидела в украшениях не просто драгоценный аксессуар костюма, а подлинное произведение искусства. В 1890-е годы во Франции даже амбициозные представители «высокого искусства» изменили свое отношение к творчеству ювелиров: их произведения начали допускать на выставки Национального общества изящных искусств, в Обществе французских художников открылась секция прикладного искусства, устраивались персональные выставки художников-ювелиров, их изделия стали публиковаться в журналах, закупаться музеями. Искусство ювелиров модерна получило всеобщее признание на Всемирной выставке, проходившей в Париже в 1900 году.

Лучшим среди ювелиров уже в то время был признан французский художник Рене Лалик, которого считают одним из создателей стиля модерн. Окончив Парижскую национальную школу декоративного искусства и проработав пару лет в Англии, Лалик начал свою деятельность в Париже в качестве рисовальщика. Затем он расписывал ткани, веера, обои, занимался акварелью, офортами и скульптурой, но особое удовлетворение приносила ему работа в крупнейших ювелирных мастерских Парижа, включая ювелирные дома Картье и Бушерона. В возрасте двадцати пяти лет Лалик возглавил собственную ювелирную мастерскую, где от выполнения рисунков перешел к изготовлению авторских вещей. Украшения, созданные молодым ювелиром для великой Сары Бернар, сделали его знаменитым. В них он впервые использовал мотив обнаженной женской фигуры, который затем неоднократно повторял в своих произведениях, вырезая фигурку либо лицо женщины из хризопраза или халцедона и украшая изделие витражной эмалью и драгоценными камнями.

12
3



























Слева направо Лалик, Рене

Подвеска "Васильки"(1898 – 1899, Золото, прозрачные и глухие эмали, белый халцедон, жемчуг неправильной формы)
Подвеска "Женский профиль" (1898 –1900, Золото, хризопраз, эмаль)
Диадема в форме сирены (1897 – 1898, бронза, смагард, резной опал)


Лалик покорил Париж небывалыми до той поры украшениями, в которых был запечатлен красочный мир природы - царство цветов и растений, насекомых и рептилий, фруктов и нимф, мир, в котором реальное смешивалось с фантастическим. Новаторским для того времени явилось использование художником, казалось бы, второстепенных для ювелирного дела материалов: рога, перламутра, стекла, слоновой кости, которые он искусно соединял с эмалью, жемчугом, драгоценными и поделочными камнями. Лалик виртуозно владел разнообразными приемами художественной обработки металлов, и в частности техниками эмали. Не случайно современники называли его «ювелиром-поэтом» и «парижским Челлини». Не меньшую славу снискал Рене Лалик как художник по стеклу, которым он увлекся в конце 1900-х годов.


45























Слева направо Лалик, Рене
Украшение для корсажа "Женщина-стрекоза" (Около 1897 – 1898, Золото, эмаль, хризопраз, лунный камень, бриллианты)
Кулон княгини Луантэн (1898 – 1899, Золото, эмаль, бриллианты, аметист)

Лалик покорил Париж небывалыми до той поры украшениями, в которых был запечатлен красочный мир природы - царство цветов и растений, насекомых и рептилий, фруктов и нимф, мир, в котором реальное смешивалось с фантастическим. Новаторским для того времени явилось использование художником, казалось бы, второстепенных для ювелирного дела материалов: рога, перламутра, стекла, слоновой кости, которые он искусно соединял с эмалью, жемчугом, драгоценными и поделочными камнями. Лалик виртуозно владел разнообразными приемами художественной обработки металлов, и в частности техниками эмали. Не случайно современники называли его «ювелиром-поэтом» и «парижским Челлини». Не меньшую славу снискал Рене Лалик как художник по стеклу, которым он увлекся в конце 1900-х годов.

67

































8















Слева направо Рене Лалик
Подвеска(1898 – 1899, Золото, выемчатая эмаль (шанлеве), халцедон)
Гребень "Ветвь сикамора" (1902 – 1903, Рог, золото)
Брошь "Водяные жуки"(Около 1903 – 1904, Золото, стекло, эмаль, серебро, турмалин)


Большим успехом у современников пользовались и украшения парижской фирмы братьев Вевер, специализировавшейся на изготовлении дорогих вещей, сверкавших бриллиантами и другими драгоценными камнями, покорявших тонкими переливами витражной эмали и изяществом рельефных изображений.

123
4
5






















































Принципы модерна определяли и творчество парижан Люсьена Гайара и Жоржа Фуке (последний зачастую работал по рисункам знаменитого живописца, декоратора и скульптора эпохи модерна Альфонса Марии Мухи). Наиболее последовательным выразителем стиля югендстиль в Германии был берлинский ювелир Вильгельм Лукас фон Кранах. В Лондоне стиль модерн получил развитие в творчестве Чарлза Роберта Эшби.

12




















Гайар, Люсьен
Слева направо
Колье "Чертополох" (Около 1903,Золото, эмаль, опалы)
Шпилька "Клён"

12


















Фуке, Жорж 
Слева направо
Орхидея (1900,Золото, эмаль, рубины, жемчуг)
Украшение для корсажа "Крылатый змей" (1902, Золото, эмаль, бриллианты, жемчуг)

12






















Эшби, Чарлз
Слева направо
Пряжка для пояса "Рыбы" (Около 1897, Серебро, бирюза)
Подвеска (1902, Золото,жемчуг, аметисты, лунный камень)


К началу XX века флоральное течение модерна достигло апогея своего развития. И хотя отдельные проявления этого стиля встречались вплоть до 1914 года, формы изделий стали менее изощренными, а волнистые линии заменил геометризированный декор. На смену флоральному течению модерна пришло геометрическое, однако оно проявилось в ювелирных украшениях не столь ярко и выразительно. В архитектуре и произведениях декоративно-прикладного искусства позднего модерна уже прослеживались черты конструктивизма.

123

















Слева направо  
Кранах, Вильгельм Лукас фон, Подвеска (Около 1900, Золото, рубины, огранка кабошон, бриллианты, жемчуг, прозрачная эмаль)
Муха, Альфонс Мария, Украшение "Змейка" (1900 год, Золото, эмаль, опалы, бриллианты, Украшение выполнено для Сары Бернар ювелиром Жоржем Фуке. Браслет и кольцо соединены цепочкой.)

Драгоценности Сары Бернар - Из книги «Париж, конец века» (Paris, fin de siecle)


Хронологические рамки эпохи модерна очень узки, немногим более двух десятилетий, но значение этого стиля для развития ювелирного искусства необычайно велико. Соединив традиции Запада и Востока, античности и средневековья, аристократического и фольклорного искусства, обобщив опыт всего предыдущего художественного развития, художники-ювелиры эпохи модерна создали яркое самобытное искусство.


Материал взят:
http://www.bibliotekar.ru/yuvelir/7.htm

http://fashion.artyx.ru/books/item/f00/s00/z0000000/st027.shtml

http://www.liveinternet.ru/users/la_belle_epoque/post110439554/


Стили ювелирных украшений. Содержание.


bf146683

Романтизм

Крушение могущественной империи Наполеона вызвало в Европе небывалый подъем общественного самосознания, обостривший стремление к личной и гражданской свободе и подтолкнувший к поискам новых идеалов. На этой волне к 30-м годам XIX века в европейской культуре сформировалось новое направление, которое получило название романтизм.

178283
















Наиболее ярко романтизм заявил о себе в литературе. Кумирами публики стали поэты и писатели, в произведениях которых нашли отражение сильные страсти и величие духа. На устах у всех были имена Байрона и Шелли, Гёте и Гюго, Жуковского и Пушкина, Вальтера Скотта и Гофмана. В это бурное время стиль и мода рождались уже не при дворах королей или императоров, а в литературных салонах и в среде просвещенного дворянства, что, несомненно, определяло их эстетическое содержание.

8473b28c058f

















Ожерелье из зубов оленя (королева Виктория носила ожерелье из зубов оленя, убитого мужем на охоте. На каждом зубе присутствовала гравировка с датой, а на застежке "застрелен Альбертом") и зубов обезьяны (конец 19 в.)

В мировосприятии романтиков пафос героической борьбы соседствовал с мистическими настроениями, внимание к личным переживаниям человека - с поэтизацией природы, а интерес к истории и национальному фольклору - с мечтой о новой культуре, которая вобрала бы в себя все лучшее из того, что было в прошлом.

По мнению некоторых специалистов, первоначально романтизм был ориентирован на идеализацию искусства Древнего Рима, что и определило его название. Однако, возможно, более правы те исследователи, которые связывают рождение романтизма с началом «романтического движения» в Англии, где в середине XVIII века вышло несколько «готических романов» на темы Средневековья.
ff0abfa4cecaРомантические настроения эпохи предопределили появление своеобразных, порою имеющих сентиментальный характер украшений, «идеальная ценность» которых в глазах владельцев намного превышала материальную. Это памятные браслеты с миниатюрой в центре, сплетенные из волос любимых, или траурные кольца с вставками из гагата и оникса. Это медальоны, броши и браслеты, с помещенными в них локонами возлюбленных или детей; их скрывали под крышками, декорированными эмблемами дружбы, любви или траура. Наконец, это украшения из железа, которые, как на заре цивилизации, стали носить после войны патриотически настроенные модницы Германии, пожертвовавшие все свои драгоценности на борьбу с Наполеоном.


Историзм

После наполеоновских войн волна романтических настроений прокатилась по всей Европе, и на этом фоне сформировался первый из неостилей XIX века - неоготика. Вслед за неоготикой, а порою и одновременно с ней, образцом для подражания становилось искусство других исторических эпох. Это увлечение породило целую череду неостилей - неорококо (или второе рококо), второй ампир, неоренессанс, необарокко, третье рококо, неоклассицизм. Увлечения тем или иным стилем возникали и сменяли друг друга так быстро, что зачастую неостили смешивались и, приобретя новые качества, лишь отдаленно напоминали свой первоисточник. Не удивительно, что картина стилистики произведений того времени была на редкость разнообразна и живописна.

Время возникновения и периоды расцвета тех или других неостилей в разных странах Европы порою не совпадали, так же как и названия неостилей. К примеру, во Франции неорококо 1830-1840-х годов именуют «стилем Луи-Филиппа», а в Англии -«ранним викторианским стилем» и т.д. В России для обозначения искусства середины и второй половины XIX века было введено общее понятие - историзм, поскольку определяющие его стили сориентированы на исторические прототипы и интерпретацию искусства прошлого.

Из-за постоянных изменений общественных вкусов мода в европейском костюме той эпохи была необычайно быстротечна. Собственно, это касается преимущественно дамских нарядов, мужской костюм претерпевал лишь незначительные перемены в крое фрака, сюртука и брюк или в форме цилиндров и способе завязывания галстука. Зато дамы, следуя за стремительной модой, постоянно обновляли свои туалеты. Этому в немалой степени способствовали и модные журналы, издававшиеся во Франции и Англии, странах - законодательницах моды того времени.

В разные периоды, в соответствии с господствовавшим тогда стилем, дамские платья имели свои отличия, но тем не менее они всегда прекрасно сочетались с ювелирными изделиями, которыми дамы щедро украшали себя и свой костюм. Конечно, при подборе драгоценностей к своему туалету они руководствовались прежде всего собственным вкусом, тем не менее к этому времени было принято деление ювелирных украшений на более скромные дневные, в том числе визитные, и роскошные вечерние.

34










Слева. Коронационный перстень королевы Виктории (1838. Великобритания. Сапфир, бриллианты, рубины. Представляет собой уменьшенный вариант перстня Вильгельма IV)

Справа. Коронационный перстень королевы Аделаиды (1831. Великобритания. Бриллианты, рубины. По традиции коронационные перстни оставались в личной собственности монарха, но этот, как и коронационный перстень Вильгельма IV, вошло в коллекцию королевских сокровищ. С 1901 года используется для каждой церемонии)


Для дневных украшений использовали недорогие камни - агаты, малахит, сердолик, ониксы, кораллы, в середине века - камеи на раковине и мозаичные изображения, .1 с 1860-х годов возникла мода на гранаты и, вероятно, под впечатлением от драгоценностей мусульманского Востока - бирюзу. Мелкой бирюзой расцвечивали цветочные композиции чеканных узоров или «осыпали» ими ветки и листья, а крупные, чистые камни помещали в зубчатые оправы и украшали ими более парадные изделия.
1255422088_61255422089_7















На изготовление бальных украшений шли самые прекрасные камни - яркие изумруды, рубины, сапфиры и, конечно, алмазы, зачастую ограненные розой. С большим воодушевлением были встречены и поступавшие в это время из Бразилии высочайшего качества топазы, аметисты и аквамарины, которые превосходно выглядели в окружении бриллиантов. Высоко оценивались «русские камни» - уральские александриты и изумруды. Несколько позже вечерние драгоценности украсили австралийские опалы, редкостные по цвету сапфиры Юго-Восточной Азии и прекрасные бриллианты из Южной Африки. Особенно ценились солитеры - крупные бриллианты безупречного качества. Увлечение драгоценными камнями не отражалось на любви к жемчугу - она оставалась неизменной во все времена. Из крупных жемчужин выполняли ожерелья и серьги, более мелкими окружали цветные драгоценные камни, камеи и миниатюры.

67
















Слева. Малая Бриллиантовая корона королевы Виктории (1870. Великобритания. Золото, 1300 бриллиантов. Высота менее 10 см. После смерти в 1861 году супруга, принца Альберта, королева часто надевала эту миниатюрную корону поверх вдовьей вуали)
Справа. Корона баварской королевы (1806 – 1807. Германия.Золото, бриллианты, жемчуг)


Каждая смена моды в костюме влекла за собой изменения в наборе ювелирных украшений, которым отдавалось предпочтение. В 1830-е и с середины 1850-х годов носили особенно много украшений. Это были как традиционные виды изделий (броши, браслеты, серьги, кольца, различные подвески, а в период второго рококо - диадемы и колье), так и довольно редко встречавшиеся: всевозможные гребни, отделанные перламутром и жемчугом или драгоценными камнями; медальоны разных форм; пояса с драгоценными пряжками; роскошные бриллиантовые фермуары на черной бархатной ленте; широкие парные жемчужные браслеты, которые надевали на обе руки, и бархатные браслеты с камнями и жемчугом; украшавшие голову изящные ободки, обрамлявшие пучок; ферроньерки, составленные, как правило, из цепочки и свешивавшегося на лоб изящно оправленного бриллианта, жемчужины или другого драгоценного камня.

В ювелирных украшениях нашли отражения все неостили эпохи историзма. Неоготический стиль способствовал появлению множества имитаций старинных изделий эпохи Средновековья и вызвал интерес к украшениям из чугуна. Мода на них, как и сам стиль, пришла в континентальную Европу из Англии, где в это время романтика Средневековья владела умами писателей, художников, архитекторов.

1255422141_21255422110_121255422139_9















Слева. Гребень и брошь (1840-е - 1860-е. Россия.Кость; резьба)
В центре. Серьги (Первая половина 19 века. Россия. Золото, алмазы, жемчуг; эмаль)


Неорококо, к которому после крушения империи Наполеона и возрождения монархии во Франции тяготели не только аристократы, но и с упоением подражавшая им разбогатевшая буржуазия, принесло с собой увлечение усыпанными красивыми камнями брошами-букетами на высоких стеблях и другими украшениями эпохи рококо. К этому стилю чаще всего обращались при создании особо парадных, вечерних украшений, собственно так же как и к формам эпохи барокко, типа пышных Гфошей-склаважей или брошей-бантов. Однако при том, что во многих новых украшениях почти буквально цитируются старинные образцы, в них нет изящества и живописности их исторических прототипов. Это особенно отличает изделия периода второго рококо, совпавшего со временем правления во Франции Наполеона III и императрицы Евгении (1852-1870).
10

















Пара браслетов (19 век. Франция. Бриллианты, рубины. Выполнены по эскизу Бапста для герцогини Ангулемской)

Распространение в середине века стиля неоренессанс, основоположником которого считается друг Виктора Гюго, известный парижский ювелир Франсуа-Дезире Фроман-Мёрис, способствовало популярности украшений с объемными деталями в нидс сфинксов на концах браслетов, миниатюрных фигурок-статуй на булавках для пик туков и других изделий с рельефными деталями, типа тех, что изготавливали ювелиры в XV-XVI веках, и ферроньерок - налобных украшений, подобных тем, которые носили итальянки во времена Леонардо да Винчи, а также привело к широкому использованию эмалей.

1211

















Слева. Диадема. Фрагмент (Середина 19 века. Франция. Жемчуг. Часть жемчужного гарнитура императрицы Евгении)
Справа. Ожерелье (Середина 19 века. Франция. Золото, бриллианты, рубины. Принадлежало императрице Евгении, входило в состав гарнитура, включавшего кольцо и серьги)

Неогреческий стиль, сформировавшийся в конце 1860-х годов, привнес в ювелирное искусство мотивы и орнаментику греческих и этрусских украшений. Камеи, мозаики, гравированный меандр, акант, пальметты - все эти и другие приметы античного искусства, а затем и стиля классицизм, вновь появились в кольцах, ожерельях, браслетах, брошах. Золотые колье и серьги приобрели подвески в виде античных амфор. Узоры из мелкой зерни, заимствованные из искусства этруссков, украсили браслеты и медальоны. Античные корни имеет и мотив змеи, который стал необычайно популярен к середине' пека. Золотые змеи, декорированные камнями, жемчугом или эмалью, а иногда и силе генные из волоса, обвивали руки дам, шею, талию.
29















Слева. Подвеска "Бюст Антинои" (Конец 18 века. Австрия. Сердолик, золото; белая, черная, синяя эмаль)
Справа. Подвеска с камеей "Бюст Минервы" (1860-е. Италия. Трехслойный агат, золото)


В рационалистический век индустриализации производства и капитализации общественных отношений лирико-сентиментальные настроения, рожденные в эпоху романтизма, находили выход в увлечении изделиями с мотивами флоры и особенно фауны. С большим мастерством ювелиры создавали драгоценные украшения с изображениями лебедей, орлов, ящериц, всевозможных насекомых. При воспроизведении природных мотивов они стремились быть предельно точными в передаче натуры, умело подбирая колорит камней и не допуская вольностей в рисунке. Тема «драгоценной флористики и анималистики», впервые так ярко и выразительно прозвучавшая в искусстве второй половины XIX века, сохранила свою актуальность и в последующее время, вплоть до наших дней.

Нельзя не отметить и «русский стиль», сложившийся в эту эпоху в России и существовавший одновременно с неостилями, пришедшими из Западной Европы. Ранний этап его развития принято определять как «русско-византийский», поздний - как «неорусский».

1255422058_111255422096_17















Слева. Пряжка от пояса (1830-е, Россия. Цветное золото, бирюза, стекло; эмаль, литье, чеканка, гравировка)
Справа.
Броши и серьги (1850-е - 1860-е, Россия. Серебро, золото, бирюза, кораллы, жемчуг, гранаты; литье, чеканка, гравировка)

В основе стиля лежало романтическое стремление возродить исконно русскую культуру, которое в значительной мере определило развитие архитектуры, живописи, прикладного искусства, музыки того времени. В ювелирном деле обращение к историческим корням - к древнерусскому искусству XVII века - порою выливалось в стилизацию старинных форм и декора. Однако ряду ювелирных фирм удалось создать выразительные произведения, вполне отвечавшие патриотическим настроениям своего времени и пользовавшиеся неизменным успехом на международных выставках. Их техническое исполнение до сих пор вызывает восхищение. В XIX веке «русский стиль» в большей степени отразился на развитии таких видов ювелирного искусства, как предметы православного культа, интерьерные декоративные композиции и предметы сервировки стола, а на художественное решение ювелирных украшений он оказал значительно меньшее влияние. Тем не менее присущие этому стилю черты можно увидеть в украшениях конца XX столетия, когда в России начался процесс возрождения традиций русского ювелирного искусства.

Довольно часто в произведениях эпохи историзма, которую некоторые исследователи пренебрежительно окрестили периодом эклектики, усматривают только искаженные черты «чистых» стилей предыдущих эпох. Но при всей справедливости подобных воззрений нельзя не отметить, что художники и ювелиры того времени создали обширный арсенал форм, видов декора и технических приемов, оказавшийся востребованным и спустя многие десятилетия и в значительной степени определивший творчество мастеров всех последующих поколений.

Особенно впечатляют технические достижения в ювелирном деле второй половины XIX века. К их числу можно отнести создание новых сплавов металлов и способов огранки камней, использование гальванического золочения и серебрения, применение платины и полихромного золота, возрождение и совершенствование разнообразных технологий ювелирной эмали. Наконец, не следует забывать о механизации изготовления изделий, позволившей ускорить и удешевить производство, что сделало ювелирные изделия доступными более широкому кругу любителей драгоценностей. Впрочем, технический прогресс в области создания ювелирных изделии имел и некоторые негативные последствия, например, использование штамповки вместо ручной чеканки не могло на сказаться на художественном качестве: результатом явилась сухость и механистичность форм и декора украшений, что заметно отличало новые изделия от старинных.

Однако метод создания новых произведений путем заимствования и смешения элементов разных стилей, использовавшийся в искусстве эпохи историзма, должен был рано или поздно себя исчерпать. Уже в 1880-е годы этот метод стал подвергаться критике в среде художественной интеллигенции и начали формироваться общества, ратовавшие за движение к новому искусству. Интенсивные поиски оригинальных выразительных средств увенчались успехом, и в конце 1880-х годов развитие искусства пошло по новому пути, который определялся новым художественным стилем - модерном.

Эпоха историзма оставила в истории ювелирного искусства много замечательных имен. Это и уже упоминавшийся парижский ювелир и предприниматель Франсуа Дезире Фроман-Мёрис, и основатели существующих и поныне знаменитых французских ювелирных домов Луи Франсуа Картье и Фредерик Бушерон, и замечательный итальянский ювелир Пио Фортунато Кастеллани, раскрывший секреты тончайшей зерни и филиграни, которыми славились древние греки и этрусски, и целая плеяда российских ювелиров. Среди других выдающихся мастеров особенно яркий след в искусстве создания украшений оставили ювелиры семьи Болин, Леопольд Зефтиген и классик историзма в ювелирном творчестве, несравненный Карл Фаберже.

Любопытен факт, что мировые ювелирные бренды, которые сегодня правят бал моды, были созданы примерно в один и тот же период. Конец XIX века, называемый эпохой романтизма, подарил миру мастеров, чье творчество – лучший способ выразить чувства.

Есть в мире моды имена, при звуке которых сердце начинает биться быстрее…

Франция

Изящество и великолепие дарят французские ювелирные бренды, среди которых наиболее признанные: Картье, Бушерон, Ван Клиф&Арпелс, Мабуссин.

Как и все большие истории, становление бренда Cartier началось в маленькой Парижской мастерской. Луи Франсуа Картье работал там над заказами для частных клиентов, в коих не было недостатка: эпоха Людовика ІІІ оправдано считалась светской, поэтому ювелирные украшения имели грандиозный успех. Мастер даже делал короны для монархов Германии, Испании, Египта, Монако и других стран. Под покровительством принцессы Матильды и императрицы Евгении, Луи Картье расширил свое дело и передал искусство ремесла сыну. Затем дело перешло к внукам Картье – так бренд прочно установил свои позиции в мире моды.

Визитной карточкой этого мирового бренда являются первые в истории женские часики-браслет, затмить изящество которых еще пока никому не удалось.

Еще один знаменитый ювелирный бренд – Boucheron, основанный Фредериком Бушероном в Париже. Мастер знал, главное в презентации бриллиантов – свет. Он арендовал магазин с окнами на солнечную сторону и с тех пор не отступался от этого правила. Изюминка стиля Бушерона – сочетание восточных мотивов и разноцветных драгоценных камней, а визитная карточка – браслет-змея из белого золота с бриллиантами.

Италия

Среди итальянских ювелирных брендов наиболее знаменит BVLGARI, основанный Сотирио Вульгарисом. Свой первый флагманский магазин талантливый грек открыл в центре Рима, и очень скоро стиль BVLGARI, воспевающий в камне и металле античные мотивы, покорил сердца самой итальянской элиты. Фирменное украшение: широкое кольцо, с гравировкой Bvlgari по периметру.

США

Америка презентует ювелирные украшения известных брендов с особым эпатажем и свойственной ее народу эксцентричностью. Двумя наиболее известными ювелирными домами США являются Tiffany&Co и Harry Winston.

Легендарный ювелирный бренд Tiffany, основанный Чарльзом Льюисом Тиффани, приобрел еще большую популярность после фильма с очаровательной Одри Хепберн, героиня которой каждое утро проводит у магазина на Пятой авеню. Сегодня Tiffany&Co имеет более 200 бутиков, и невесты всех стран мира мечтают стать обладательницами обручального кольца от Тиффани – визитной карточки ювелирного бренда.
Другой американский ювелирный бренд Harry Winston был основан Гарри Уинстоном, ювелиром, в чьих руках оживают бриллианты. Именно его ювелирный дом считается основным поставщиком украшений для голливудских звезд. Небывалую пиар-кампанию для бренда проделала Мэрилин Монро, ведь в песне о лучших друзьях девушек упоминается Гарри Уинстон. Визитная карточка бренда – колье из бриллиантов с кулоном «капля».


Материал взят:
http://www.bibliotekar.ru/yuvelir/6.htm

http://www.vashaktiv.ru/md_nv_kl.html

http://fashion.artyx.ru/books/item/f00/s00/z0000000/st024.shtml

http://womanadvice.ru/yuvelirnye-brendy

http://steampunker.ru/blog/history/4638.html

http://womanadvice.ru/yuvelirnye-brendy#ixzz2a8r6DdB3


Стили ювелирных украшений. Содержание.


bf146683